派克艺术中心首展“十日谈——常青藤计划2020”开幕|艺术家|十日谈

　　“十日谈Decameron——常青藤计划2020”开幕式现场嘉宾合影

　　10月10日上午，“十日谈Decameron——常青藤计划2020”在派克艺术中心开幕。此次展览作为常青藤计划落地天津华侨城美亚创意文化园，正式运营派克艺术中心后策划亮相的首场主题展览。

　　以“十日谈”为题，本次展览由《美术》杂志副主编盛葳担纲学术主持，青年策展人宋振熙、张予津为策展人。策展团队以14世纪意大利薄伽丘小说集《十日谈》为框架，《十日谈》小说讲述了意大利佛罗伦萨瘟疫流行时期，十名男女在乡村一所别墅里避难。他们每人每天讲一个故事，共住了十天讲了百个故事，这些故事赞美爱情和生活，体现了人文主义思想。本次展览借其“故事”和“交流”的概念，共邀请10组参展艺术家，或源自经典译著、或取自个人经验的“故事”，讲述意味深长的当代艺术寓言的同时，引发令人深思的时代命题。

　　正如学术主持盛葳所说，“七百年后的2020年，我们重启14世纪薄伽丘的《十日谈》，邀请十位艺术家为大家带来他们的故事，通过自我讲述和自我呈现，以艺术的方式让我们在后新冠时代重思人生、重寻自我、重建信心。对于薄伽丘而言，进阶之途是诗歌和文学，对于此时此刻的我们而言，则是可以亲历其中的视觉艺术。”

　　“十日谈Decameron——常青藤计划2020”现场

　　相比于常青藤计划过往展览，本次展览的策划团队打破以往对标青年艺术家群体的惯例，在艺术家及作品选择上，不受年龄与创作媒介的限制，并对落地新空间后全新的受众群体进行了深入考量，更加侧重展览“叙事性”与“大众认知”的贴合度，在作品选择、空间排布、展线规划上融入了更具“沉浸感”和“交互性”的展陈视觉设计，提升了展场故事的可读性，着重强调作品与空间的关系，组合呈现后所营造的综合感官体验，让展陈内容更具自由参与的乐趣和被无限解读的拓展性。

　　策展人宋振熙认为，“当大量去叙事化的网红展进入我们的生活和视野，我们应思考当代艺术究竟该呈现什么。立足当下语境，艺术又是否具备疗愈作用。我希望能够重新挖掘当代艺术对叙事的要求、对了解人类故事欲望的要求，进而去反思当代艺术展览在疫情后的开展方向。展览中，每个故事都具有代表性，并不局限于单一的某种体例、语言、内容，而更重要的是，让文本与作品产生对话，让观众在获得视觉享受的同时，亦能有所思考和启发。”

　　张权《白日梦》雕塑、数码喷绘尺寸可变 2018-2020

　　通过这次展览，策展人也在从新思考当代艺术的优势，而“讲故事”确实是一种可行的方法。希望通过这次展览，给观众一些引导和启发。

　　“为什么要去美术馆看艺术作品呢？虽然走出美术馆的时候我们还是要面对一些现实生活，但在看展览的时候我们不能一味的追求狂欢、消费，还是需要一些思考”策展人宋振熙在接受采访时说到。“因为疫情，艺术家也有了更多的思考，尤其在生命、人类与世界相处的问题上。针对在疫情期间线上展览更多的推出，我觉得在有条件的情况下还是要做更多的线下展览，强调展览的体验性。如果一个展览脱离了体验性，那展览效果就会损失很多。”此外，展览的公共开放性与公众对话性亦能从展馆外小广场得以体现，艺术家张权此番带着他作品中知名度最高的“巨型兔子KARORO”为大众制造了一场悲伤与快乐并存的“白日梦”，同时开启了“十日谈”的序幕。

　　张权《谁动了我的胡萝卜》树脂、综合材料700×400×600cm2020

　　策展人张予津介绍，“14世纪的古老寓言犹如空气，久远却常新，并在后疫情时代跨越时空于相似的境遇下，浇灌着我们的精神与灵魂。正如小说里冲破桎梏也要获得尘世之欢、人性之爱的男女们，如今的我们亦要‘回归日常’，重获一种依靠想象力与浪漫性制造的尊严。那么，艺术便是一种提供意义和交流的方式，这次展览的艺术家们用个体情绪写就的‘故事’令作品有了新的面貌，是经典译著呼应时代的‘新编’。艺术和文学一样，或许虚无，但是在前路不明的当下，用虚无对抗虚无，反而是澄明。”

　　《一个海边的夜晚》是艺术家沈凌昊在旧金山海边创作的，他曾沿着海岸线行走，收集散落在海滩上的贝壳、海草、岩石及游客遗留物，并将它们制作为感光雕塑，进行重组后置于暗黑空间，在UV灯的照射下，记忆中消逝的海边光景、浩瀚星空复刻于场馆内部，犹如贯穿艺术家创作历程的“对时间和记忆展开讨论”的空间延伸。

　　沈凌昊《一个海边的夜晚》装置尺寸可变 2018

　　在丁世伟以概念为先导创作的《陨歌》中，他将一颗枯树的具象图案转化为抽象场景，树被分解成由738个横截面生成的几何点线关系，并通过六屏影像、摄影、手绘、现成品装置等手段细致入微地去发现枯树带来的各种表现可能。艺术家和观者像是好奇的孩童在遨游，而枯树是作为独特的生命体样本被选中的，能让每位身临其境者感受到生命的能量。

　　丁世伟《陨歌》六屏影像及混合媒介装置尺寸可变 2015

　　朱玺从现实经验中重组支离破碎的日常物象。作品《历史公式》再造一段“沉沦”的金属残墙，一匹腐朽的战马被xy轴穿插而过，不断重演的历史像数学公式般推演、更新，又似瞄准镜，伴随呼声大作的拱门风声，吹散满地文明。

　　朱玺《历史公式》 900cm×250cm×500cm 2019

　　步入展厅一层，观感由暗转明，犹入另一番艺术图景。红色管道与后工业感的空间环境相融，此为崔译作品《夜冥冥·耳语》。艺术家结合园林美学和“游园”理念，将进入场域内的观者纳入自发行动表演，与隐匿于管道内腔的共振音箱所传达的声学效果形成独特的装置剧场。而在管道“枝桠”上下求生存的自然植物仿佛艺术的造物语境，呈现游离于人工与物性间的诗意轨迹。

　　崔译《夜冥冥·耳语》综合材料尺寸可变声音设计王波 2020

　　MOXI《独》 300cm×80cm 2019

　　MOXI在作品中，启发观者重新思考后工业时代人与物的关系；艺术家王恩来的作品将无形实体化，当无形的“风”在垃圾袋、电风扇的合力下随着身体的贴近变得如呼吸般起起伏伏，有了“形状”，就好像日常物被赐予了生命；悠悠运河水孕育了独具一格的津门文化，而被海洋文明哺育的广东人张钊瀛，此番与沈沐阳一起带来了“入乡随俗”的《运河·东方戏法》，二人化身利玛窦·瀛和沈光启以全球视角勾勒运河之上的知识谱系，观者可于影像、绘画、装置、物件交织的“游戏陷阱”中清晰获取亦真亦幻的运河叙事。

　　王恩来《Bonn浪潮》《空洞》塑料袋、排风扇、控制器尺寸可变 2015

　　张钊瀛＋沈沐阳《运河·东方戏法》木版激光雕刻、绘画、综合材料、影像 2018-2020

　　展览开幕时分别呈现两场表演，在剧场表演《人生何处不相逢》中，戴陈连与不同年龄阶段的跳舞爱好者们在20分钟的时光里，交织出建国以来中国舞蹈发展脉络及如何衍伸为当下“人人皆舞”的广场式群体活动；周行Mr.D.Mouse利用电磁采集器捕捉不同电器波形结构加以重置，模拟宇宙声纳脉冲信号创造非常规声音视觉交互音乐，让观者跟着强节奏和氛围融入其中的新锐派。