①伦勃朗《自画像》
②让-马克·纳蒂埃《克罗扎特·德·蒂耶斯夫人和她的女儿》
③保罗·塞萨尔·以路《白衣少女》 四川日报全媒体记者薛维睿摄
威廉·卡尔夫《中国瓷罐静物画》本文图片除署名外由成都博物馆提供
提香《男子肖像》
提香、格列柯、鲁本斯、凡·戴克、洛兰、伦勃朗、卡尔夫、德·霍赫、华托、布歇、雷诺兹、弗拉戈纳尔、戈雅、透纳、柯罗、毕沙罗、莫奈、雷诺阿、高更……60幅大师精品，如璀璨繁星，连缀起西方艺术五百年的磅礴长河。
9月29日，成都博物馆“光影浮空：欧洲绘画五百年”展览开幕，来自美国印第安纳波利斯艺术博物馆的60幅世界顶级艺术典藏在特展厅亮相，展品囊括14至20世纪初欧洲艺术史上最具代表性流派的代表性画家作品。如此大师云集的艺术展，在蓉城乃至西南地区尚属首次。展览将持续至2021年1月3日。
镇馆之宝首次来华
走进展厅，可以看到一张清晰的欧洲绘画发展时间轴，这次展出的全部作品按时间和流派分布其中。从庄严肃穆的宗教画，到激情澎湃的文艺复兴；从优雅华美的洛可可人物，到色彩精妙的印象派风景。这次展览涉及的画家覆盖意大利、荷兰、英国、法国等不同地域，几乎遍布大半个欧洲，勾勒出14至20世纪初欧洲绘画艺术的发展轮廓。
作为美国最古老、规模最大的艺术博物馆之一，印第安纳波利斯艺术博物馆以46000余件百科全书式的馆藏闻名于世。据成都博物馆策展人黄晓枫介绍，本次展览是该馆首次组织常设展品赴海外巡展，而中国是这次巡展的首站。巡展展品皆为该馆常设展中的绘画精品，大部分都是重量级的镇馆之宝。“可以说，这也是近年来国内艺术展展品规格最高的一次特展。”
本次展览的作品，除了部分最能体现艺术家绘画特色的代表作，还有不少是对他们绘画生涯具有深远影响的经典作品。
展厅的前言里写道，英国艺术史学家贡布里希曾将西方艺术史形容为“无休止的实验”。愈靠近现代，艺术家们愈渴望摆脱许多世纪以来的传统束缚，开辟自己的艺术道路，艺术风格也更多地与个人而非地区或流派联系在一起。
这次展览体现了这种艺术生生不息的实验过程。从文艺复兴早期佛罗伦萨、锡耶纳、威尼斯画派到巴洛克、洛可可艺术，从新古典主义、浪漫主义、现实主义到印象主义、新印象主义，60幅作品分列在五个展览单元里，欧洲绘画艺术的发展脉络清晰可见，艺术指向了自由而多元的方向，艺术家也逐渐走向自我表达的新探索与新道路。
从巴洛克到洛可可
在这次展览中，可以看到不少巴洛克与洛可可风格艺术家的代表性作品。巴洛克与洛可可，两个看上去同样华丽的名词，到底应该怎么区别？
在18世纪到19世纪，刻薄的评论家曾用“巴洛克”这个词嘲讽这种“土豪风格”。这个可能源于葡萄牙的词语，本意是“形状不规则或有瑕疵的珍珠”，后来引申出“古怪”“不均衡”“有缺陷”之意。由此可见，巴洛克风格本质上包含着对规则的破坏力。它虽然为教会服务，却通过强烈的视觉冲击，挑起人性中对享乐的欲望和对荣誉的渴求，打破了教会要求禁欲克制的主张。
在艺术领域，巴洛克风格的作品同样富丽堂皇，毫不犹豫地背叛了文艺复兴时期和谐平衡的准则，以动态感十足的画面展示生机勃勃的欲望和激情。
彼得·保罗·鲁本是巴洛克风格最负盛名的代表画家，这次展出的《君士坦丁凯旋罗马》代表了他的典型风格。这幅绘画为描绘君士坦丁大帝的生平事迹而创作，是系列挂毯的十二幅油画草稿之一，讲述了君士坦丁大帝在公元312年战胜巴克淼提乌斯进入罗马的著名场景。在这幅作品中，君士坦丁大帝被描绘得有如天神下凡，闪亮耀眼，人物和马匹都充满动态，在白色基调的画面中显得格外浪漫。
事实上，洛可可风格可以看作是巴洛克风格的一种延续。如果将巴洛克比作“男性的权杖”，那洛可可就是“女性的裙摆”。
18世纪，人们吃腻了“巴洛克大餐”，抛弃繁杂的累赘、增加生动装饰的洛可可风格开始流行。在蓬帕杜夫人的带领下，洛可可风格被真正地发扬光大。她不仅用小碎花和蕾丝装饰衣裙，引领了当时欧洲的新时尚，还凭借独特的审美，指导了凡尔赛宫、爱丽舍宫等一系列宫殿的改造。在她的主导下，洛可可风格呈现出女性化意味，纤柔、典雅，以粉红、嫩绿为主色，充满曲线和自然元素，这种风格很快从法国宫廷流传开来，开始为欧洲各国上流社会簇拥。
在这次展览中，有多位洛可可风格艺术家的作品，包括让-安东尼·华托、弗朗索瓦·布歇、卢卡·焦尔达诺、让-奥诺雷·弗拉戈纳尔、让-马克·纳蒂埃等。其中，华托的作品《乡村舞蹈》十分典型。一对夫妇踏着舞步，身后的孩童模仿着女士的动作，旁边的音乐家们演奏着乐器，又羞涩地把目光投向观众。华托赋予画面一种优雅的风度，让观众忽略了画中人物卑微的处境。这一时期田园主题日益流行，这幅画也反映出当时人们对法国小说和戏剧中和谐、简单乡村生活的喜好。
弗朗索瓦·布歇也是洛可可时期最重要的画家，他以轻松的神话故事和田园风景题材画作闻名。这次展出的《女子垂钓的田园风光》，呈现了法国乡村一些标志性景观，如牧民、垂钓的女子、充满艺术感的破败废墟、茂盛的植物和绚烂的天空，这些元素与路易十五时期用来装饰剧院舞台的田园背景图相似，让观画者远离巴黎的喧闹街道，置身于田园美境之中。
最“贵”的自画像
在“欧洲肖像画”展览单元，观众都很“识货”地簇拥在一幅绘画面前。这幅伦勃朗·凡·莱因的《自画像》，是伦勃朗最受关注的作品之一，也是本次展览单幅作品的最高保值之作。
作为全世界最伟大的艺术大师之一，伦勃朗的声名比肩文艺复兴三杰，因其画面极富戏剧感而被人称作“美界莎翁”。他以肖像画立业，后来更因为充满喜剧张力的历史画和宗教画而声名大噪。
自17世纪，以伦勃朗、雷诺兹为代表的肖像画家，不再拘泥于传统技法，开始展现人物的个性与魅力。作为肖像画家中的翘楚，伦勃朗不仅给客人画，还极其喜欢画自己，他一生绘制了超过75幅各种形式的自画像，在历代画家中无人能出其右，如果伦勃朗生在现代，无疑会是位“自拍狂魔”。
这次展出的这幅《自画像》，被认为可能是画家最早的一幅自画像，画中呈现的是约23岁的伦勃朗，画面中的人物年轻、朝气蓬勃，展现出勃勃的野心与傲气。从微张的嘴巴、带胡子茬的下巴，到细微处一两颗小粉刺，伦勃朗毫不矫饰画中的自己。在这幅画中，伦勃朗还进一步发展了卡拉瓦乔式的明暗对照，呈现出戏剧化而不失柔和的阴影效果。这种光影法，被后世称为“伦勃朗光”，广泛地运用于电影和摄影之中。
在这幅画的左边，并列着提香的《男子肖像》。提香不仅是意大利文艺复兴后期威尼斯画派中最突出的画家，也是整个西方艺术史上最伟大的画家之一。他重视色彩本身的表现力，关注颜料作用于不同材质画布所产生的肌理感，对西方艺术产生了深远影响。
这幅肖像画是提香最为杰出的、蜚声遐迩的作品之一，其中人物一度被认为是意大利诗人阿里奥斯托。画中的男子自信地凝视前方，奢华的皮毛、柔软的头发和下垂的天鹅绒精细地烘托出他的脸部特征。提香以简单的几何结构勾勒了人物特点，让画中的形象充满了理想化的美感和高贵感。
小画派里的大画家
在这次展出的作品中，有相当一部分来自荷兰黄金时代的画家。17世纪，经过“尼德兰革命”，荷兰成为欧洲最富庶的国家之一，在贸易、工业、科学和艺术等领域均处于世界领先地位，这一时期也被称为“荷兰黄金时代”。
新的市场需求和激烈的竞争催生出一大批专攻静物、风景和风俗题材的画家，并将写实性绘画提高到了前所未有的水平。这些商品画的尺幅一般都不大，因此创作这类作品的画家们又被称为“荷兰小画派”。
风景画大师迈因德特·霍贝玛是其中的代表画家。霍贝玛出身于阿姆斯特丹，对故乡有着深切的感情，乡间优美宁静的风景是他最喜爱的创作素材，他的作品将风景画从神话和宗教的禁锢中解救出来。
霍贝玛主张返璞归真，致力于将自然景色还原于画布，保留下最真实的风景。由于每一幅画都要实地考察，亲身感受作画内容，因此霍贝玛十分“低产”，但也总是能透露出对自然最真挚的感情。他作品中的精准透视也极具标识，成为后世学习借鉴的典范。
此次展出的《水磨坊》，是霍贝玛同题材作品中的巅峰之作。霍贝玛生前名不见经传，逝世后才名声大噪，深受18至19世纪英国收藏界追捧。18世纪一位叫特雷弗的男爵收藏了这幅画，因此该作又名《特雷弗风景》。这幅画风格精致自然，画面宛如真实，仿佛能感受到泥土的潮湿和柔软。霍贝玛创作过超过30幅以水磨坊为题材的风景画，皆被评价为超高水平作品，而这一幅依旧能算是其中的顶尖作品。
与霍贝玛生在同一时期的彼得·德·霍赫，是荷兰黄金时代著名的风俗画家。他也曾师从风景画家，但最终转向了风俗画领域，将人们的日常生活搬上画布。
本次展出的霍赫作品《音乐派对》，呈现了17世纪阿姆斯特丹富商阶层奢华享受的休闲场景。在运河旁的房屋中，身穿盛装的人们尽情享受着音乐和美酒。画中清晰界定的门扇和空间，呈现了霍赫最具标志性的构图技巧，使较暗的室内前景与背景中的阳光形成对比，营造出一种宁静、愉悦、富丽堂皇的氛围。
相比一生潦倒的霍贝玛，半生落魄的威廉·卡尔夫算得上是“富二代”。
卡尔夫出生于荷兰鹿特丹的一个富裕家庭，在巴黎学习绘画后，很快就凭借扎实的技艺，跃升为静物画大师。本次展出的《中国瓷罐静物画》，创作于卡尔夫职业生涯的巅峰时期，是他风格华丽的静物画中的代表作品。通过吸晴的中国明代青花瓷罐、波斯地毯、来自威尼斯及荷兰的玻璃器皿，卡尔夫展示了荷兰的黄金时代阿姆斯特丹人流光溢彩的富裕生活。
同时，卡尔夫还在画中夹带了不少“私货”传达自己的看法。画中显眼位置的削皮柠檬和打开的怀表，暗指世俗追求的可笑和生命的短暂，象征尘世的腐朽与时间的必然流逝，这也是静物画虚空派常用的表现形式。在这种类型的静物画中，每件逼真的作品通常都有深刻的象征意义。
在17世纪前，艺术曾是贵族与教会的专属，这些画作的题材离不开老三件：神话、教义和宫廷。而这批荷兰黄金时代的画家，他们以极具个人特色的创作，让艺术走下神坛，让画家摆脱贵族与教会的束缚，也让真实的社会跃然纸上。(四川日报记者 薛维睿)
